독특한 작업으로 한국추상미술의 지평을 넓혔던 하인두(1930∼1989) 화백. 그의 탄생 80주년을 기념한 드로잉전이 최근 서울 평창동 가나 컨템퍼러리에서 열렸다. 누구보다도 한국적인 그림이 무엇인지 고민했던 그였기에 나름의 정체성을 모색하고자 하는 후배작가들이 전시장을 많이 찾았다.

생전의 하인두 화백은 “한국적인 것의 저류를 흐르는 것은 다름 아닌 전통무속의 정신”이라며 “그것의 색깔은 백색의 모노크롬이 아니라 찬란한 원색이며, 형상 또한 광란과도 같은 다이너미즘으로 점철된 것”이라 갈파했다. 바로 한국미술의 역동적 힘이 여기서 비롯된다는 것이다.

요즘 젊은 작가들이 귀담아 들어야 할 얘기다. 그는 “오늘날 외래 사조를 거역할 수는 없으나 어디까지나 우리 것의 뿌리에 자양분으로 받아들일 것이지 접목하거나 겉발림으로 도장해서는 안 된다”고도 했다. 그가 사찰 등을 찾아다니며 단청과 무속화에 관심을 가지게 된 이유다. 그는 오방색과 단청, 만다라에서 나름의 추상작업을 이끌어 냈다. 불교사상과 우주에 대한 여러 연상까지 시처럼 압축해 풀어냈다. 추상을 하되 서구적 앵포르멜을 벗어나 우리 고유의 아름다움이나 불교사상을 재분해 재구성하려 했다. 동양의 정신세계를 상징하는 도상안에 잠재된 무한한 추상성에 새삼 주목한 것이다. 그가 한국 최고작가로 꼽은 박생광이 떠올려지는 대목이다.

면과 면 사이 또는 형태의 둘레에 굵은 선을 만드는 하인두의 기법은 바로 탱화나 무신도의 기법이다. 성당의 스테인드글라스 기법도 그는 같은 맥락으로 읽었다. 굵은 윤곽이나 띠 같은 선들로 도상을 감싸면 묘한 정신적 기운을 발산하게 마련이다. 주술적인 힘을 기원하는 공간의 ‘그림’이란 점에서 일맥상통할 수밖에 없는 것이다. 중남미나 아프리카 그림에서도 같은 기법을 종종 보게 된다. 예술의 기원은 주술이란 점을 새삼 깨닫게 해준다.

공초 오상순 등 시인들과 교류가 많았던 하인두는 화가들의 ‘자폐증’을 경계했다. 화가들은 언어를 매체로 하지 않고 감성의 직설적 표현에 의존하기 때문에 언어가 아닌 그 무엇에 매달려 지극히 자폐적인 몰입 속에 살기 쉽다는 얘기다. 그의 지적은 후배 작가들이 곰곰이 되새겨야 할 내용이다. 예술의 궁극적 지향점은 ‘소통’이란 점을 환기시키고 있는 것이다.

[e-mail]